art

Jak zostać terapeutką sztuki

Posted on

Artyści terapeuci zapewniają leczenie zdrowia psychicznego ludziom przez całe życie, tworząc i zastanawiając się nad sztuką w celu poprawy funkcjonowania, dobrego samopoczucia i jakości życia. Terapeuci zajmujący się sztuką zajmują się uczuciami i zachowaniami, gromadząc wiedzę i szkolenia w dziedzinie sztuki oraz w psychologii i doradztwie. Dostarczanie twórczego i artystycznego talentu do terapeuty sprawia, że sztuka terapii jest wyjątkowym i satysfakcjonującym zawodzie. Fakt, że terapia art jest praktykowana w wielu ustawieniach i przez cały okres życia, oznacza dobre możliwości kariery.

Ale przede wszystkim artysciści mogą pomóc osobom, które mogą nie być w stanie skorzystać z bardziej tradycyjnych i „opartych na rozmowach” terapiach, wykorzystując potężne i wyraźnie ludzkie doświadczenie sztuki w celu ułatwienia gojenia, regeneracji i odnowy biologicznej.

Określono terapię sztuczną

Terapia plastyczna oparta jest na dwóch głównych zasadach:

Sztuka jako długotrwała ludzka aktywność komunikowania się z innymi i do wyrażania siebie.

Aktywna i przewodnia obecność wykwalifikowanych i wyszkolonych profesjonalistów.

Terapia plastyczna obraca się wokół pacjenta lub klienta tworzącego sztukę i procesu, który doświadcza. Może również zawierać odzwierciedlenie dzieł sztuki stworzonych przez innych. Terapia artystyczna zazwyczaj koncentruje się na grafikach, w tym rysunku, malarstwa i rzeźby. Jednak niektórzy terapeuci używają sztuk scenicznych, takich jak muzyka i taniec / ruch.

Środowisko pracy

Większość specjalistów zajmujących się terapeutami zajmującymi się sztuką zapewnia bezpośrednie usługi indywidualnie lub grupowo, a mniejsza liczba osób zajmuje się badaniami lub nauką. Terapeuci artyści, którzy widzą klientów, pracują w szerokim zakresie ustawień, obejmujących placówki zdrowia psychicznego, szpitale, ośrodki rehabilitacyjne, szkoły, domy opieki, agencje wspólnotowe i prywatne praktyki. Jeśli terapeuta sztuki specjalizuje się w świadczeniu usług dla określonego klienta, takiego jak pacjenci w podeszłym wieku lub z chorobami nowotworowymi, ustawienie może różnić się w zależności od danej populacji.

Wielu artystów zajmuje się prywatną praktyką, gdzie mogą skoncentrować się wyłącznie na sztuce terapeutycznej lub skorzystać z tego podejścia razem z innymi rodzajami terapii. Ci, którzy służą klientom w organizacji są często integralną częścią działów, od psychiatrycznych po pediatrię do geriatrycznych. Zazwyczaj oferują usługi za pośrednictwem podejścia zespołu i mogą współpracować z psychologami, lekarzami i pielęgniarkami, pracownikami socjalnymi i / lub nauczycielami. Tymczasem osoby prywatne praktykują częściej same pracują. Kiedy artyści terapeuci są naukowcami lub wykładowcami, zwykle pracują w uniwersytetach i innych agencjach edukacyjnych lub badawczych.

art

Ten zawód jest jedną z wysokiej specjalizacji i wymaga dość dużej liczby szkoleń. Dlatego terapeuci artyści mają dość dużą niezależność, ale również znaczną odpowiedzialność realizującą swoje konkretne zadania. Począwszy od zakresu oceny, artyści zajmujący się terapią są wyjątkowo sprawni, aby administrować, oceniać i interpretować bardzo szczegółowe oceny, z których wiele wymaga wyraźnej wiedzy. W celu zapewnienia terapii potrzebna jest zdolność zarówno do artystycznej wrażliwości, jak i dogłębnego zrozumienia technik psychologii i poradnictwa. Ponadto terapeuci sztuki muszą mieć dostęp do przestrzeni kosmicznej i materiałów / materiałów eksploatacyjnych, z którymi będą prowadzić sesje.

Profesjonalne wymagania wobec terapeutów sztuki mogą być powiązane z tymi, którzy pracują w warunkach organizacyjnych, ponieważ mogą być odpowiedzialni za ciężkie casauzy, co prowadzi do długich godzin. Terapeuci sztuki w prywatnej praktyce mogą mieć większą elastyczność w swoich harmonogramach, ale muszą być w stanie zobaczyć wystarczającą liczbę klientów, aby ten wybór był opłacalny ekonomicznie. Ci, którzy pracują w środowiskach akademickich często oczekują regularnego publikowania i otrzymywania stypendiów, z których oba wymagają dużo czasu i wysiłku.

Wraz z czasem i wysiłkiem, którymi dali im szkolenie, wielu terapeutów wchodzi w ten zawód, ponieważ same sztuki uznały za terapeutyczne i dlatego są ściśle związane z ich pracą. Prowadzi to do wysokiego poziomu poświęcenia, profesjonalnej satysfakcji i spełnienia.

Wymagania

Stanie się terapeutką sztuki obejmuje kilka kroków; te wymagania są opracowywane i nadzorowane przez American Art Therapy Association. Po pierwsze, aspirujące terapeuci artowi muszą posiadać licencjat lub studia w zakresie sztuki studenckiej (sztuki wizualnej) i psychologii, a także portfolio oryginalnego dzieła sztuki. Z tymi warunkami wstępnymi studenci muszą uzyskać stopień magistra w dziedzinie terapii artystycznej lub mistrza w doradztwie ze stopniem w terapii artystycznej z akredytowanego programu studiów lub uniwersytetu. Te programy mistrzowskie mają zwykle około dwóch lat długości. Oprócz studiów licencjackich i wymogów dotyczących portfela, każda uczelnia może mieć inne wymagania, np. GRE (Graduate Record Exam).

art

Edukacja i trening

Zajęcia w programie magisterskim obejmą zazwyczaj takie dziedziny jak rozwój ludzki i kreatywny; teorie terapii sztuką, doradztwo i psychoterapia; oraz ocenę i ocenę. Ponadto programy oczekują na pracę magisterską lub poważny projekt, w którym student wykazuje zdolność rozumienia i wykorzystania badań. Następnie następuje praktyczny kurs, w którym uczniowie stosują swoją wiedzę w oparciu o praktyczne i ściśle nadzorowane otoczenie. Practicum przygotowuje studentów do stażu i dodatkowe podyplomowe nadzorowane doświadczenie kliniczne, które pochodzą po ukończeniu studiów. Praktyka praktyczna, praktyki zawodowej i stażu podyplomowego to kilkaset godzin, co oznacza duże zaangażowanie.

Umiejętności i kompetencje

Stosuje się następujące główne obszary wiedzy:

· Sztuki piękne – teoria i techniki tworzenia i / lub wykonywania dzieł sztuki wizualnej, muzyki, tańca lub dramatu.

· Psychologia – rozwój i zachowanie ludzi, nauka i motywacja, różnice indywidualne, metody badawcze, ocena i leczenie zaburzeń behawioralnych i afektywnych.

· Terapia i doradztwo – zasady, metody i procedury diagnozowania i leczenia.

Istnieją również kompetencje charakterystyczne dla terapeuty artysty. Poznawanie polecane kasyna nie może być jednym, więc oprócz oczywistej potrzeby artystycznej i kreatywnej ci, którzy wchodzą do tego zawodu, są bardzo dobrze dostosowani do uczuć innych ludzi i potrafią czytać i interpretować niewerbalne znaki, takie jak język ciała. Budowanie relacji jest niezbędną siłą w celu nawiązania i utrzymywania więzi roboczych, które są współdziałające i konstruktywne. Zaufanie, empatia i cierpliwość są niezbędne.

Ponieważ wiele osób szukających terapii nie jest w stanie bezpośrednio przekazać swoich uczuć i myśli, artyści zajmujący się terapią są zazwyczaj uzależnieni od rozumowania indukcyjnego opartego na zdolności do łączenia pozornie niezwiązanych informacji, aby wyciągnąć wnioski. W związku z tym muszą być w stanie komunikować się z klientem, dostarczając im słów, które przechwytują, co klienci przekazują za pośrednictwem ich sztuki.

art

Terapia sztuki nie jest klasą plastyki

Posted on

Terapia artystyczna różni się od klasy sztuki, chociaż wymaga ona kreatywności i wyobraźni. Terapia artystyczna jest oparta na procesach, a terapeuta sztuki nie ocenia dzieł swoich klientów ani nie komentuje estetyki dzieł sztuki. Klasa sztuki jest zazwyczaj oparta na produktach, na której studenci uczą się technik artystycznych i dzieł sztuki ocenia się na podstawie tego, jak dobrze i jak kreatywnie to zostało zrobione. Jeżeli nie jesteś pewny jak działa terapia, to przedstaw siebie w kasyno online.

Masz problem, bo nie umiesz grać ale musisz rozpuścić własne pieniądze, a terapia to jak darmowe free spiny bez depozytu – pomogą ci wygrać coś bez wydawania własnych pieniędzy. Pomogą ci przejść przez problem!

Terapia artystyczna jest formą psychoterapii

Terapia artystyczna powstała po raz pierwszy w latach 40. XX wieku, polegająca na psychoterapii, która pozwala jednostce wyrazić swoją nieprzytomność. Poprzez trójkątne powiązania między dziełem sztuki, klientem a terapeutką sztuki, jednostki mogą zdobywać wiedzę na temat ich nieprzytomnego ja, rozwiązać lub poradzić sobie z wewnętrznymi zmaganiami i problemami związanymi z relacjami, zyskać sobie świadomość i rozwijać poczucie własnej wartości i pewności siebie.

Terapia artystyczna jest nie tylko dla dzieci

Terapia artystyczna to potężna forma terapii, która łączy w sobie zarówno narzędzia wizualne, jak i słowne, które pomagają ludziom w jakimkolwiek wieku osiągać większe zdrowie psychiczne i fizyczne oraz dobre samopoczucie. Jest to sposób na zaangażowanie wyobraźni i ośrodków zmysłowych mózgu w rozwiązywaniu problemów. Nie wymaga się specjalnego doświadczenia ani talentu artystycznego; wszystko czego potrzebujesz to wyobraźnia i zdolność do wyboru i reagowania na linię, kształt i kolor.

Nawet osoby z upośledzeniem wzroku mogą korzystać z terapii artystycznej, jak nakreślają te niesamowite osoby tutaj. Korzystanie z mediów artystycznych do „wizualizacji” problemów i przetłumaczenia swoich uczuć na zdjęcia może pomóc ci zobaczyć rzeczy z nowej perspektywy ptaka. Po wykonaniu tego można zmienić obraz, a następnie zastanowić się, jak zmienić rzeczywistość.

Sztuka jako terapia a terapia artystyczna

Sztuka jako terapia może być przeprowadzona wśród takich osób, jak małe dzieci, osoby z poważną niepełnosprawnością intelektualną, osoby dorosłe z chorobą Alzheimera, otępieniem lub chorobami kończącymi, aby zapewnić im terapeutyczną przestrzeń, aby doświadczyć zalet twórczości artystycznej oraz doświadczenia sensorycznego i kinestetycznego podczas proces tworzenia sztuki.

Terapia plastyczna lub psychoterapia artystyczna z drugiej strony jest często ćwiczona z dziećmi, nastolatkami i dorosłymi, którzy mogą lub nie mają jakiejkolwiek formy niepełnosprawności lub zaburzeń. Terapia plastyczna jest często wykorzystywana do pomagania osobom w poprawie samoświadomości, rozwijaniu poczucia własnej wartości i pewności siebie, zdobywaniu wiedzy o wewnętrznym ja, zwiększaniu emocjonalnej regulacji, zarządzaniu stresem, poradzeniu sobie z tym zaburzeniem lub ich leczeniu.

Terapia artystyczna jest odpowiednia dla wszystkich w każdym wieku

Doświadczenie ze stanu techniki lub zaawansowane zdolności artystyczne nie są warunkami wstępnymi dla osób uczestniczących w terapii artystycznej. Skuteczność terapii artystycznej nie zależy od tego, jak dobrze rysować lub malować, ale jak zaufanie do relacji jest pomiędzy terapeutką a klientem. Oczywiście inne czynniki, takie jak doświadczenie terapeuty sztuki związane z populacją klientów, chęć otrzymania terapii przez klienta, poziom wsparcia otrzymywanego przez klientów z ich rodziny i opiekunów oraz zgodność terapeuty sztuki z klientem, odgrywa również rolę rola.

Co to jest terapia sztuczna?

Posted on

Terapia plastyczna jest po prostu profesjonalną terapeutyczną umiejętnością wykorzystywania dzieł sztuki dokonywanych przez osoby, które chcą rozwoju osobistego. Ten rozwój nie był w stanie osiągnąć dzięki traumy, osobistemu kryzysowi, chorobie i pewnym wyzwaniom, które miały wpływ na ich życie. Ludzie w każdym wieku korzystają z terapii sztuką, wykonanej przez profesjonalnego terapeuty sztuki, który został przeszkolony w znacznej mierze na temat rozwoju ludzkiego, tradycji artystycznych w wielu kulturach, teoriach psychologicznych oraz uzdrawiających umiejętnościach związanych z wykorzystywaniem sztuki. Usługi są świadczone tym osobom dzięki terapii artystycznej, ponieważ nie potrafią wyrazić w słowach, emocjach i odczuciach dotyczących ich prawdziwego stanu umysłu. Profesjonalne ustawienia, które uczestniczą w metodach terapii art, to usługi zdrowia psychicznego, rehabilitacja, instytucje medyczne, usługi edukacyjne, domy opieki, korporacje, agencje sądowe, zasięg społeczności i niezależne praktyki. Ścisłe standardy terapii sztuką zostały ustanowione przez American Art Therapy Association, Inc. (AATA) i The Art Therapy Credentials Board, Inc. (ATCB). Niektóre indywidualne państwa regulują własne praktyki terapii sztuką, a inne państwa zezwalają terapeutom sztuki na licencjonowanych doradców lub terapeutów zdrowia psychicznego. Ci terapeuci sztuki stosują instrumenty oceny w oparciu o sztuki w celu określenia poziomu ich funkcjonowania. W tym celu mogą sformułować określony poziom celów leczenia, decydować o tym, jakie są mocne i słabe strony swoich klientów, lepiej zrozumieć, kim jest ich klient i problemy, a także oceniać postęp swoich klientów. Master poziom szkolenia i edukacji dla terapeuty sztuki jest obowiązkowy, zapewniając odpowiednie wykorzystanie i stosowanie testów rysunkowych, ocenę ważności instrumentu, a jego niezawodność jest niezwykle ważna, aby lepiej służyć klientowi. Według Donna J. Betts, Ph.D., ATR-BC, w doktorskiej doktorskiej doktorskiej w 2005 roku, niektóre z najlepszych testów terapii światowej, które mogą być użyte to: Ulubiony Dzień Dobry (AFKOD) Osoba Zbierając jabłko z Drzewa ( PPAT) Seria rysunków diagnostycznych z odczytywaniem rysunków krzyżowych (DDS) Seria rysunków diagnostycznych dla dzieci (CDDS) Badane są również instrumenty oceny, które mogą obejmować: opisową ocenę stanu psychiatrycznego (DAPA) przewodnik DDS i formularz analizy rysunków (DAF) ) Elementy formalne Skala terapii sztucznej (FEATS). To tylko kilka narzędzi do oceny terapii art, które mogą być stosowane przez terapeutów sztuki, w ustawieniach klinicznych lub w badaniach. Każde narzędzie terapii artystycznej jest zorganizowaną oceną zebraną w standardowych warunkach. Większość z nich jest opracowywana w celu zapewnienia zgodności z testami psychologicznymi i ocenami psychiatrycznymi: Art Therapy-Projective Image Detection (ATPIA) Screening na temat depresji (DAS) służący do identyfikacji dzieci i nastolatków narażonych na ryzyko krzywdy innych lub siebie. Poprzez dzieła sztuki można zauważyć, że pomiędzy emocjonalnymi i nieagresywnymi grupami pojawią się znaczące różnice w jego treści emocjonalnej i wizerunku, oprócz.

Darmowe Sztuki I Craft Pomysły Dla Dzieci

Posted on

Te bezpłatne sztuki i rzemiosło dla pomysłów dla dzieci są łatwe do zrobienia i to świetny sposób, aby zaoszczędzić pieniądze podczas tworzenia wyjątkowych materiałów szkolnych z dziećmi. Właśnie wróciłem do szkoły! Jeśli szukasz pomysłów, przeczytaj i pokażę kilka prostych pomysłów na rzemiosło dla dzieci. Wszystkie one trwają 30 minut lub mniej.

Pomysły artystyczne i artystyczne dla dzieci # 1 Tablica ogłoszeń: Utrzymuj rzeczy za pomocą tej poręcznej tablicy ogłoszeń. Dlaczego wydać 40 dolarów na zakup gotowej płyty biuletynu, jeśli można ją łatwo utworzyć za mniej niż 10 dolarów? Możesz dostosować tablicę informacyjną do każdego dzieciaka – wybrać ulubione kolory do dekoracji tablicy ogłoszeń. Ten projekt powinien trwać około 20-30 minut.

Sztuka i rzemiosło Pomysły dla dzieci # 2 Papierowa torba na brązowe torby: Dodać specjalne lunche dla dzieci, pakując je w niestandardowe, brązowe papierowe torby na lunch. Weź zwykłą torbę i udekoruj ją etykietami i naklejkami. Lub uderzaj ciekawymi kształtami na torebki bezpośrednio przy użyciu dziurkaczy. To z pewnością da dziecku coś do uśmiechu. Ten projekt potrwa około 10 minut.

Pomysły artystyczne i artystyczne dla dzieci # 3 Notebooki dostosowane do indywidualnych potrzeb: To, kto nie chciałby, aby na notebookach były pisane scribble? Istnieje wiele sposobów na dostosowanie notebooka – można go zakryć w papierze notatniku, zdjęcia, naklejki lub nawet tkaniny. Piękny notebook z pewnością zainspiruje twoje dziecko do pisania częściej. Ten projekt zajmie około 15-20 minut.

Mam nadzieję, że te darmowe dzieła sztuki i pomysły rzemiosła dla dzieci dały Ci inspirację do craftowania dzieci ze szkoły. Więcej informacji na temat powrotu do rzemiosła szkolnego lub innych pomysłów na dzieła dla dzieci można znaleźć na stronie Kid Craft Project.

Ptaki I Zwierzęta W Sztuce Indyjskiej

Posted on

Jahangir, który był czwartym imperatorem Mughalu, był kochankiem piękna. Właśnie dlatego artefakty, które są tworzone rękami, obserwują naturę jako dzieło boga.

Jego wspomnienia, powszechnie znane jako Tuzuk-I-Jahangiri lub Jahangirnama, są tak samo albumem jego doświadczeń estetycznych, jak kronikę jego panowania. Z jego pełną wrażliwością te doświadczenia stały się źródłem radości dla niego, gdzie zarówno natura, jak i piękno zostały zachowane przez szczotki jego artystów.

Jahangir był również naturalistą pierwszego rzędu, z silną ciekawością faktów. Prowadził bogatą farmę i woliernik, obsadzony przez ekspertów i zespół pracowników pod jego osobistym nadzorem. Prowadzono regularne rejestry każdego indywidualnego egzemplarza, a także informacje, które chciałby nabyć. Jego badania okazały się mieć ogromną wartość naukową. Historyk Henry Beveridge stwierdził, że Jahangir byłby szczęśliwszym człowiekiem, gdyby był szefem muzeum historii naturalnej.

Zebra, znana również jako Equus Grevyi, została po raz pierwszy wprowadzona do Indii na dworze w Jahangir w 1621 roku. Jahangir ostrze patrzył na intrygującą korespondencję między wzorami pasków zebry i tygrysa. Pierwszy jest pasowany dokładnie tak, jak czarny i żółty tygrys, z wyjątkiem tego, że jest czarno-biały. Ponieważ niektórzy wątpili, czy czarne paski zostały pomalowane na jego ciele, dlatego natychmiastowe zapytanie zostało przeprowadzone. Po śledztwie stało się pewne, że linie zostały stworzone przez twórcę świata.

Najcenniejszym wkładem Jahangira w wiedzę o zoologii był portret ptasiego mauretańskiego ptaka, który był ogonem drapieżnym lub rafinującym. Ważnym ogniwem ewolucji kaczek, które są bezładne, są prymitywne ptaki, które stały się wymarłe pod koniec XVII wieku. Było to dzięki aktywnemu interesowi gastronomicznemu, który został wzięty do niego, odwiedzając europejskich żołnierzy. Współcześni uczeni, którzy pragną poznać jego cechy, musieli polegać na długim czasie na nie bardzo dokładnym rysunku przez flamandzkiego artysty, Ronalda Savery’ego. Ten rysunek został sporządzony w Amsterdamie w latach 1626-1628, podczas gdy obraz Mughala, przypisany wielkiemu mugalskiemu Mansurowi, leżał w zapomnieniu.

Dr A. Iwanow z Petersburga odkrył ten rysunek w zbiorze Instytutu Orientalnych Studiów Rosyjskiej Akademii Nauk. Jego twórczość stworzyła sensację na XII Międzynarodowym Kongresie Ornitologicznym w Helsinkach w 1958 roku, ponieważ ten obraz został uznany za najbardziej poprawną reprezentację dodo. To zostało prawidłowo wykonane z żywych okazów, które wydawało się Jahangirowi przedstawić zagranicznemu gościowi. Profesor Erwin Stresemann opublikował tę miniaturę w ostatnich latach życia cesarza, kiedy choroba zatrzymała pióro i pozbawiła światu dowodu naocznego świadka niezwykle ciekawego ptaka przez jedną z najciekawszych postaci w dziejach Indii i naturalistę par doskonałość.

Wpływ artysty na społeczeństwo

Posted on

Sztuka jest bardzo prywatnym doświadczeniem, ale ma być udostępniona opinii publicznej. Społeczeństwo, jako całość, bada sztukę wyprodukowaną i ma prawo zatwierdzić, potępiać, uznawać, ignorować, pochwalić i nadużywać. Społeczeństwo lub społeczeństwo nie utrzymywały się na stałym poziomie przez lata. W czasach renesansu jedynie niewielu wybranych to „społeczeństwo”. Zleciły sztukę, były patronami sztuki i ich artystów. Dziś niemal każdy może dzielić się doświadczeniem sztuki. Mogą próbować tworzyć, oglądać i działać jako krytycy.

Czy sztuka czyni świat lepszym miejscem, czy też jest zupełnie bezużyteczny? To jest bardzo starożytna zagadka, a jeszcze nikt jej nie rozwiązał. Podobne pytanie – czy sztuka rzeczywiście miała jakiś wpływ na społeczeństwo? Czy to ukształtowało umysł? Czy ma kształt opinii i zmienia się w jaki sposób ludzie czują się lub myśleć? Czy jest to praktyczne w odniesieniu do życia codziennego?

Sztuka odzwierciedla życie. Jest to portret historii, czy jest to historia aktualnej chwili, czy wydarzenie w przeszłości czy coś w wyobraźni. Sztuka zdobyła wydarzenie, wyjaśniając jego istnienie i reprezentację społeczeństwa. Portrety rewolucji francuskiej przez Davida, portret Benjamina Westa śmierci Lincolna Wolfe’a i pobudzenie Poussina do Gwałtu Sabine Women starają się dostarczyć wersji wydarzeń historycznych. Społeczeństwo z kolei może przyjąć lub odrzucić te portrety prawdziwych wydarzeń. Czasem, podobnie jak w przypadku opisywania Goyi francuskich zachowań podczas podboju Hiszpanii, sztuka inspiruje do głębokiej nienawiści do określonej narodowości.

W tym okresie sztuka otacza kulturę kraju. Rembrandt, Rousseau, Monet, Hogarth, Whistler, Jan Steen, Frans Hal i Breughel przedstawiają światu tak, jak widzą. Wpływają na przyszłe społeczeństwo poprzez zwięzłe, jeśli czasami wyimaginowane, przedstawienia codziennego życia. Brughel Starsi malują chłopów, Jean Baptiste przedstawia życie niższej klasy, a tematy Daumiera w „Trzecich Przejażdżkach klasowych” nie są.

Wzniosłe dzieło Gainsborough. Inteligencja i grafika Hogarta w „Rake’s Progress” czy imponująca praca „The Gross Clinic” Thomasa Eakinsa dostarczają historykom wskazówek i obrazków na zupełnie inny sposób życia. „Sylwestra św. Mikołaja” Jan Steena daje sposobność odkrycia, w jaki sposób ludzie spędzili Boże Narodzenie na początku 17 wieku w Holandii.

Sztuka zachęciła do uczuć patriotyzmu i dumy narodowej. Goya’s, „Trzeci maja, 1808”, Amerykanie przedstawiający ich rewolucję i niezliczone inne artystki przez wieki wywarły wpływ wykraczający poza prace. Przedstawienia Waszyngtonu przebiegające przez Delaware i portrety pól bitewnych w kraju i za granicą stanowią sceny inspirujące społeczeństwo. Prace te przypominają także społeczeństwu o ich przeszłości, o tym, co zostało poświęcone lub dokonane i co można dążyć w teraźniejszości lub przyszłości.

Grafika została również zniknęła wiele żywotów i gatunków. Holsztyn przedstawia nam portrety ludzi długo martych, np. Henryk VIII, Erasmus z Rotterdamu, jak robi to Rubens z jego obrazem Marie de Medici. Bogata i psychologicznie bogata twórczość Goi „Rodzina Karola IV” wskazuje na natury i relacje tej rodziny królewskiej, aby mogła się zająć całością społeczeństwa. Sztuka dostarczyła również przykładów stylów ogrodowych, struktur do naśladowania i mody do naśladowania.

Obraz pozwoli nam dostrzec życie i styl życia. W pewnym momencie krawiectwo w koloniach wykorzystywało dzieła sztuki znalezione w czasopismach i przedstawiające reprodukcje obrazów w celu stworzenia najnowszej modnej odzieży. Sztuka kształtowała modne społeczeństwo, w którym nikt wcześniej nie istniał. Pozwoliło to Amerykanom być na bieżąco, tak jak ich europejscy odpowiednicy. W ten sam sposób George Caleb Bingham z jego obrazem „Fur Handlowcy na Missisipi” pozwolił Europejczykom dostrzec inne życie. Dzieła sztuki żydowskich artystów uwięzionych w obozach koncentracyjnych II wojny światowej zachowują przez cały czas okropności wojny i nieludzkość wyrządzoną przez jedną rasę na drugą. Sztuka była również medium, które pomogło rozpowszechnić kulturę. Sztuka propagandy podczas wojny jest klasycznym przykładem. Posters zachęcają ludzi do wspierania swoich żołnierzy. Pałki marketingowe zachęcają konsumentów do zakupu lokalnie lub zakupu konkretnego produktu. Sztuka pop jest prawdopodobnie jednym z najbardziej wpływowych narzędzi społecznych współczesnego i postmodernistycznego. Najlepszym przykładem może być każdy Warhol. Jego puszki z zupy Campbell są teraz ikonami.

Sztuka najwcześniej wzbudzała wyobraźnię wszystkich narodów. Pomogło wzbudzić patriotyczny zapał, przybliżać nowe pomysły i kulturę, zadawać pytania i przepisywać lub reinterpretować wydarzenia historyczne. Sztuka dostarczyła wskazówek dotyczących przeszłych i zaawansowanych pytań dotyczących przyszłości. Jego wpływ nadal odczuwa emocjonalnie. Przede wszystkim sztuka dotyka nas poza intelekt, wychodząc na emocjonalny rdzeń społeczeństwa. Ostatecznie, największy wpływ sztuki to jego zdolność do dostarczania nam prawdy o świecie widziana przez oko artysty.